ARTE. ESTHER mañas

Esther Mañas is a painter/installation artist based in the city of Madrid :

http://www.esthermanas.blogspot.com/

http://www.arash-moori--esther-manas.blogspot.com/

ARTE. TEJO remy

Pocas personas pueden hablar sobre la reutilización y la apropiación en el diseño con la misma singularidad que el icónico y prolífico diseñador holandés Tejo Remy. Sus primeros diseños a principios de los 90 se basaban en innovadores planteamientos que desafiaban al estilo dominante y anunciaban una nueva era de diversión e ingenio.Una de las características del diseño holandés es su acercamiento al humor atrevido y Tejo Remy es sin duda uno de los pioneros en desarrollár este concepto. Sus diseños muestran el sentido de la nostalgia y la funcionalidad, en ellas combina viejos materiales con la ironía y el sentido del humor.Remy ha estado trabajando durante décadas como productor y diseñador de mobiliario para el estudio holandés Droog Desing y recientemente ha creado junto con Rene Veenhuizen Remy/Veenhuizen, con quien trabaja ideando proyectos que rompen con las fronteras del diseño.Hablar de Diseño holandés es hablar de sostebilidad e interactividad, y el trabajo de Remy simplifica a la perfeccion estos dos conceptos. Su Cómoda, por ejemplo, es mucho más que la reutilización de viejos cajones encontrados. La naturaleza ocasional y casi casual en la cual son dispuestos, habla de un sentido de urgencia y condiciona que cada usuario interactúe con los cajones de manera diferente proporcionando un carácter único al objeto.La Silla de Trapo, la Cómoda, y la Lámpara de Botella de Leche, son tres ejemplos desarrollados por Remy a partir de 1991. Adelantándose a su tiempo, estos diseños han abierto las puertas para una nueva generación de diseñadores que exploran el empleo de materiales y transforman los elementos cotidianos en nuevos objetos reinventados. Desde su sociedad con Veenhuizen, Remy ha seguido explorando la naturaleza de los objetos y los lugares, creando productos y espacios que se unen con el individuo a un nivel personal, a menudo partiendo de formas naturales, y forzándonos a replanearnos nuestras interacciones con los objetos y el mundo.

ARTE. Moshekwa Langa

Moshekwa Langa nació en 1975 en un pueblo perdido de la Sudáfrica profunda, Babenberg, un lugar propicio para que un niño tenga sed de ciudad, de ruido, y de noches agitadas. Aprovechó su participación en un programa de formación de la prestigiosa Rijksakademie, en 1997, para emigrar a Ámsterdam donde vive desde entonces.

Desde sus inicios, su tema de predilección gira en torno al carácter movedizo de las fronteras y a los desplazamientos de población. Su trabajo cuestiona la realidad cambiante de la globalización y sus consecuencias sobre la vida de los individuos. Siente la necesidad de reinventar una identidad a partir de fragmentos dispersados. Compone y juega con dos espacios. El de su país -a la vez virgen y maculado-, con su topografía compleja, en el que físicamente los townships y los homelands parecen las puntas de una piel erizada, y mentalmente dividido por las leyes raciales del apartheid. El segundo remite a su historia personal, hecha de rupturas territoriales, de desplazamientos y separaciones. ''Where I begin'', muestra la lenta progresión de una fila de pies pisando la tierra roja, a la espera de subirse a un camión.

Su última exposición en la Goodman Gallery, en Ciudad del Cabo, se titula ''The inheritance of loss'' (la herencia de la perdida). Presenta en ella una serie de obras sobre papel inspiradas de una novela de Kiran Desai, una escritora india que vive en EEUU, galardonada con el Broker Prize en 2006 para una obra del mismo nombre. El recorrido migratorio de estos dos creadores es paralelo. Los dos son los frutos del multiculturalismo y del postcolonialismo.

''The inheritance of loss'' es la confrontación de dos destinos. El de una huérfana que, después de encontrar refugio en casa de su abuelo, una juez misántropo que vive en las laderas del Himalaya- se enamora de su preceptor fundamentalista y experimenta el sufrimiento, el aislamiento, y la espera. El otro personaje es hijo de un cocinero. Se marcha hacia EEUU, donde ''los pobres comen como príncipes''. Dispuesto a todo para integrarse, acumula los trabajos precarios y duerme en refugios improvisados. Vive como un fugitivo, y forma parte de los marginados.

Kiran Desai y Moshekwa Langa coinciden cuando dicen que el sufrimiento está en todas partes, para la gente que sueña con otros lugares, de los que les cuesta tanto acercarse y cuya realidad les decepciona tanto. Ocultan su amargura, consecuencia de su rechazo por parte de la sociedad occidental, detrás de un muro de inhibición y rabia. A las desilusiones de un nuevo mundo corresponde el caos de países presos de los delirios nacionalistas y de las constricciones de la tradición. Los pobres no tienen elección, ya que sus alternativas no son reales.

Moshekwa Langa emplea un lenguaje estético sencillo, expresivo, que va más allá de la obra plásticamente bien hecha. Utiliza una red densa de pensamientos y significados cuya fragilidad material refleja a la vez una gran violencia. Superficies lacadas, sin marcos, dibujos hechos con lápices de color, tinta china o bolígrafo, collages, papel, materiales reciclados e hilos de lana son sus soportes habituales. Mapas, pinturas figurativas crudas, nubes entrelazadas, siluetas esbozadas...toda esta iconografía atemporal refleja la vida de una sombra, siempre en movimiento, que cambia de lugar, de nombre, de dirección y de país al hilo de la demanda económica o de leyes restrictivas. Es invisible y clandestina siempre. Desenreda unos ovillos de lana que representan viajes potenciales, une partes de los mapas o al contrario, los cubre de negro, tacha algunos nombres y dibuja puzzles ''geo-maniáticos''. Coge palabras o trozos de frases que provienen de la cultura callejera o de la historia del arte y las garabatea en un momento, en unos cartuchos que se asemejan a unas trampas. Los mezcla con unas nubes bien dibujadas, formando así unas estructuras alternadas, enigmáticas y densas donde los medios populares y los pensamientos se mezclan para formar los libros de historia de las vidas ordinarias.

Moshekwa Langa es un artista reconocido. Su trayectoria se caracteriza por una gran honestidad que inspira respeto. Sin desviarse un ápice del camino que se ha trazado, reúne en si mismo las disparidades de un mapa mental del deseo de exilio, de un nomadismo impuesto, culturalmente vacío y abocado a la mera supervivencia, así como la imposibilidad de la vida, aquí y fuera. Sus instalaciones, sus videos y collages, a menudo provocativos, reflejan su voluntad férrea de enfrentarse al poder. Resiste a la voluntad del poder de fijar las identidades. Las fronteras son tan injustas como obsoletas en un contexto de migraciones mundiales, y en la era de una nueva identidad transnacional e ilusoria.

ARTE. AGUSTÍN ibarrola

(Bilbao, 1930) Pintor español. Comenzó a pintar de forma autodidacta, pero al final de los años cuarenta se trasladó a Madrid, con una beca, y estudió en el taller de Daniel Vázquez Díaz, con quien dio sus primeros pasos en el cubismo.
En 1950, conoció al escultor vasco Jorge de Oteiza, quien influyó notablemente en su producción y su mentalidad artística; con él aprendió la división y análisis del espacio propia del constructivismo y, sobre todo, la mentalidad de creación artística conjunta, donde participaran numerosos artistas y diferentes artes.
En 1956 viajó a París, donde conoció a los artistas españoles residentes en esta ciudad y, poco después, fundó en el café Rond Point el Equipo 57, junto a José Duarte, Ángel Duarte y José Serrano. A través de José Ortega, descubrió el grabado y se integró en el movimiento de "Estampa Popular" del País Vasco.
Los convulsos años 60 le llevan a la participación política y social. En 1962 fue detenido y encarcelado en el penal de Burgos por manifestar ideas próximas a la ideología comunista, hecho que no impidió su participación en huelgas obreras que le llevaron de nuevo a la cárcel en 1967. En ambas ocasiones siguió pintando.
Su obra pictórica desarrolla plásticamente su ideología política y puede ser inscrita dentro de la pintura social, de denuncia del mundo proletario y rural. El estudio sobre los espacios curvos y la relación del negativo y el positivo, desarrollados en el seno del Equipo 57, influyeron en su planteamiento estético posterior. En los últimos años vive recluido en su caserío realizando obras de gran formato, tanto escultóricas como pictóricas, y trabajando en sus intervenciones en la naturaleza en sus Bosques, decoraciones pictóricas realizadas en árboles.
En 1993, algunas de sus obras, ubicadas en el País Vasco, junto a otras de Jorge Oteiza y Jon Iturrarte, sufrieron sucesivos atentados por motivos políticos. En 2000, tras una primera agresión de los propietarios del bosque de Ibarrola, fueron destruidas las cortezas de cien de los árboles, al tiempo que dos fueron talados.
Estas y otras circunstancias hicieron que el artista vasco decidiera abandonar su Euskadi natal y autoexiliarse a Ávila, a la finca Garoza de Bracamonte, cedida por su amigo y experto en arte Alfredo Melgar, en 2005, donde siguió trabajando la piedra y otros materiales con el mismo entusiasmo a la espera de la futura creación de una fundación con edificios-museo que, en el futuro, albergaran el conjunto de su obra.

http://www.renfe.es/escultura/autores/ibarrol1.htm

ARTISTAS DEL SIGLO XXI

El itinerario artístico de Eulàlia Valldosera se sitúa en ese proceso de búsqueda. Construyendo un equilibrio sutil y poético con la luz, las sombras y el lenguaje. Si el gran poeta Paul Celan situaba el núcleo de lo poético en el margen, en el "resto no cantable", los procedimientos plásticos de Eulàlia Valldosera privilegian lo residual frente a la materialidad del objeto

http://www.elmundo.es/cultura/arteXXI/galeria.html

ARTE. JAVIER perez

En lugar del habitual retrato personal, la imagen que acompaña este artículo muestra a Javier Pérez llevando una máscara de cristal soplado, realizada a partir de un molde de su cara. Está extraída del vídeo Reflejos de un viaje (1998).Javier Pérez nació en Bilbao en 1968. Allí estudió y obtuvo la Licenciatura de Bellas Artes en 1992. Ese mismo año comenzó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de París, consiguiendo un título de Máster en 1993. Vivió en la capital francesa durante cuatro años, hasta su retorno a España en 1997. Hace dos años y medio se estableció en Barcelona, donde actualmente vive y trabaja.

ARTE. ALBERTO corazon

Alberto Corazón es un diseñador, escultor y pintor español nacido en Madrid en 1942. Su obra ha recorrido por los principales centros culturales y artísticos de Francia, Italia, Alemania, Gran Bretaña, España, Estados Unidos... Algunos de sus más famosos diseños pertenecen a logotipos ampliamente conocidos en España: ONCE, Anaya, Paradores, RENFE (Cercanías), teléfono Domo, MAPFRE, Junta de Andalucía, Biblioteca Nacional, Teatro de la Zarzuela, Casa de América, etc.
Fundador y Presidente de la Asociación Española de Diseñadores Profesionales. Ha obtenido premios como el Nacional de Diseño (1989), [cita requerida] Gold Medal Award del Arts Directors Club (Nueva York), Gold award del The Designers Association of London, Premio del American Institute of Graphic Arts. A mediados de noviembre de 2006 se convierte en el primer diseñador que ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

http://www.albertocorazon.com/

BILL VIOLA, PADRE DEL VIDEOARTE

Viola (Nueva York, 1951) comenzó a utilizar el vídeo con finalidades artísticas, junto con otros artistas, a mediados de los años sesenta y consiguió desarrollar el nuevo medio de expresión a principios de los años 70.
A lo largo de 35 años ha producido cintas de vídeo, instalaciones arquitectónicas virtuales, sonidos ambientales, actuaciones de música electrónica, piezas de vídeo en pantalla plana y obras para ser emitidos por televisión.
Las instalaciones de vídeo de Bill Viola, montajes completos que envuelven al espectador en la imagen y el sonido, usan las tecnologías más avanzadas y son exhibidas en museos y galerías de todo el mundo.
Sus trabajos se centran en experiencias humanas universales (nacimiento, muerte, evolución de la conciencia) y tienen sus raíces tanto en el arte oriental como en el occidental, así como en las tradiciones espirituales.
Para contribuir a la implicación del espectador con la imagen y para que conecte profundamente con sus significados, el videoartista neoyorquino recurre a menudo a técnicas de cámara ultralenta.
Coincidiendo con la entrega del premio, Viola realizará un acto académico en la Pedrera y asistirá a la exposición que el Centro de Arte Contemporáneo Bòlit de Girona dedicará a su obra.

ARTE. MIGUEL TOMAS GARCÍA

Es una INSTALACIÓN dónde las piezas de reciclaje pintadas de blanco ofrecen una visión mas volumétrica y un mayor juego con la luz.

ARTE CON OBJETOS

Los artistas utilizan cualquier tipo de material para crear sus obras.

Carl Warner utiliza objetos cotidianos para crear paisajes inverosímiles, sabrosos o futuristas.
Como podéis comprobar en sus trabajos utiliza verduras, queso, pan, tornillos, tuercas,…
Erika Kuhn utiliza los objetos cotidianos para saber como toman significado dentro de una obra. “Me ha sorprendido porque me hace mantener los ojos abiertos por donde voy y tratar de encontrar la belleza en objetos de uso cotidiano como las hojas de los árboles, objetos de la cocina, hasta en hojas de periódico”IMPULSO. Estado de Méjico.
Chris Jordan critica el consumismo y la degradación de la sociedad utilizando miles de objetos repetidos para crear sus obras. Muy ingenioso el crear la imagen de una calavera fumando con restos de cajetillas de tabaco.

Pero hay más artistas que realizan sus obras de arte utilizando objetos cotidianos: Ricardo Ávila, Joan Steiner,…

ARTE. Cai Guo-Qiang

Cai Guo-Quiang nació en Quanzhou en 1957 y reside en Nueva York desde hace 13 años. Premiado con el León de oro de la Bienal de Venecia de 1999, fue seis años más tarde el comisario del primer pabellón chino del certamen italiano. Su trabajo con la pólvora, tanto en dibujos como con la pirotecnia, ha evolucionado hacia la creación de instalaciones más complejas, que recuperan la simbología china y establecen un juego dialéctico entre la naturaleza y lo artificial, lo local y lo global y la cultura y la barbarie.

En los últimos años Cai Guo-Quiang ha desarrollado proyectos de carácter social, en los que con voluntarios ajenos al mundo del arte trata de crear espacios de debate

El nombre de Cai Guo-Quiang, conocido en los círculos artísticos por sus dibujos de pólvora, sus montajes pirotécnicos y sus espectaculares instalaciones, multiplicará su difusión internacional a lo largo de este año.

ARTE. JUAN MUÑOZ

Juan Muñoz es uno de los artistas contemporáneos españoles que ha logrado el reconocimiento internacional y cuya obra figura en los museos más importantes del mundo.

Juan Muñoz era un escultor figurativo. Partiendo del programa iconográfico del Barroco, trajo esta antigua tradición al terreno del arte contemporáneo y dentro de éste al arte conceptual.

Jugando con la arquitectura y la escultura, lo real y lo ilusorio, Juan Muñoz se dió a conocer internacionalmente a mediados de los años 80. Posteriormente, Juan Muñoz integraría dibujos, piezas sonoras y textos literarios en unas obras que reflexionan siempre sobre el espacio, lo íntimo y lo externo.

ARTE CON CAFE

ARTE EN ARENA

PRÁCTICAS ARTÍSTICAS

A los que les gusta "HACER EXTRAÑO LO FAMILIAR Y FAMILIAR LO EXTRAÑO", os sugieró esta página:

http://www.memoriaenlamirada.blogspot.com/

ARTE. MICHIKO kon

Michiko Kon inventa y construye una escenografía de bodegones, con elementos marinos y luego fotografía esos objetos imposibles:Las reminiscencias de Archimboldo son innegables, pero donde el milanés ponía frutas, verduras y flores, la japonesa Michiko Kon juega con pescados, pollos y pulpos en un mundo al borde de un “surrealismo barocco”.Este mundo, Kon lo traviste, lo reinventa, lo descuartiza y lo iconiza. El pescado, alimento marino, y también el alimento del corral, el de la huerta y lo floral, componen assemblages donde flores y tejidos se multiplican en un sentido del absurdo: Espinas de peces convertidas en tutús, ojos de sardina en el corazón de un girasol, patas de gallo conformando un esmokin, y la piel del pescado confundida con la de una flor.
La naturaleza vegetal se confunde con la animal bajo una piel y una carnalidad de texturas equívocas. Se trata de un juego visual que confronta lo viscoso y lo dúctil, la dureza con la delicadeza, el humor y la crueldad, entre un millón de brillos y mates, mil matices que el proceso fotográfico del platino sublima. Bodegones antropomorfos capturados en un claroscuro donde adquieren un atractivo poderoso y sensual.

ANIMALARIO (L13º A03º T 2009ºC)

En una propuesta de ARTE EFIMERO, los ANIMALES salen a la ciudad en busca de reacciones, miradas, sonrisas, extrañezas, sorpresas...
VE y los VERAS.

TIRITAS (L13º A 03º T 2009ºC)

Tiritas es un proyecto de arte efímero que pretende curar ciudades, pueblos, lugares dónde el paso del tiempo y sus gentes producen heridas, accidentes, fracturas en sus paredes, suelos, recoquevos, esquinas, etc.
Además, no menos importante, es otra manera de VER y CONOCER.

ARTE. VICTOR ash

Impresionantes instalaciones a cargo de Victor Ash. Este Portugues afincado en La capital de Francia trenza la luz, las transparencias y las formas con un espectacular resultado

ARTE. JULIÁN beever

JULIAN BEEVER es un artista que ya tiene muchos años haciendo algo muy peculiar. Tiene una grandísima habilidad haciendo figuras en las calles.

Sus obras tienen una duración de aproximadamente dos días, debido a que se desvanecen bajo los pies de los caminantes.
Como verán, lo que él hace es algo extraordinario, pero a la vez es un arte que dura muy poco tiempo, y sólo perdura en el tiempo gracias a las fotografías tomadas en ese instante.
Me puse a pensar, y no logro comprender cómo este artista puede hacer sus obras con una medición casi perfecta.
Para poder ver las imágenes correctamente, es necesario estar ubicados en la posición adecuada, sino podría verse sólo un montón de garabatos.